艺术课的重要性大全11篇

一、公共艺术教育课程的内容

公共艺术教育的学分有明确规定，但很多高校表示，若将所有要求的课程都开足，可能3000个课时也装不下。同时，课程内容是否科学，是否有足够的艺术吸引力，也是公共艺术教育面临的难题。按照教育部的相关要求，每个学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课程中选修1门并且通过考核。对于实行学分制的高等学校，每个学生至少要通过艺术限定性选修课程的学习取得2个学分，修满规定学分的学生方可毕业。艺术限定性选修课程包括“艺术导论”、“音乐鉴赏”等。各高等学校可开设艺术任意性选修课程，如“交响音乐赏析”、“戏剧鉴赏”、“戏曲鉴赏”、“民间艺术赏析”等。“从一般要求讲，限选课和任选课开得越多越好，以便满足广大学生的不同学习需求。但要开齐8门限选课，院校会花费很大精力。

二、公共艺术教育开展的现状

（一）公共艺术教育课程不受重视。

在实用主义盛行的当下，功利化的教学内容以及就业导向使许多学校的公共艺术教育虽受学生欢迎，但不受领导重视，成为“鸡肋”。“当今高校里发生的负面的、消极的、恶性的事件，可以说很多都与大学生人文素养缺失相联系。由于认识问题，导致学校对公共艺术教育缺乏统筹规划、科学管理，一些学校的公共艺术教育处于多头管理的无序状态，工作中存在间歇性、随意性和以活动代替课程等情况，存在重视部分艺术特长生而忽视艺术教育公共性的要求，重视艺术演出效果而忽视学生在艺术活动过程中的体验、感悟和提高等现象。各高校要按照《学校艺术教育工作规程》的要求，进一步提高对公共艺术课性质和功能的认识，把学校的公共艺术教育工作作为培养高素质人才和传播先进文化的重要手段。“事实上，接受一定的公共艺术教育，是大学生们的普遍需求。”例如：一直承担公共艺术教育“交响音乐与音乐家”课程的湖南某高校教师举例说，自2005年承担公共艺术教育课程教学以来，上他的课的学生已经超过4800多人。从反馈情况看，只要能给学生们提供走近交响乐的机会，人人都拥有理解音乐的能力。一份针对全国6所高校大学生喜好音乐情况的调查表明，以收回的4790份有效问卷看，喜欢简谱的占89.8%，喜欢五线谱的占10.2%，喜欢中国音乐的占80.2%，喜欢外国音乐的占19.8%，喜欢声乐的占68.4%，喜欢器乐的占31.6%。根据调查得知，虽然这些学生中能熟练掌握一门乐器的仅占0.5%，但普遍喜爱音乐。另一项调查显示，82%的学生认为高校公共艺术教育在大学教育中必不可少，近70%的学生对公共艺术教育课抱有良好的期待。“然而，当下实用主义盛行，功利化的教学内容以及就业导向，使许多学校轻视公共艺术教育。哪一样对学生找工作有好处，就抓紧哪一样。艺术教育是一门软功夫，基本不产生显性效果，所以许多学校认识不到位，对这项工作不够重视。”

（二）公共艺术教育教学施舍缺乏。

艺术教育的经费投入少，教学设施严重缺乏。一方面各个院校对艺术教育的重视不够，认为艺术教育就是唱唱歌跳跳舞，或者写写画画，不需要好的条件或设备。另一方面，就是对艺术教育给以了足够的重视，但由于艺术类器材、材料确实也很昂贵，使得学校在艺术教育投资上舍不得，从而教学设施跟不上，影响了老师的授课质量。

（三）公共艺术教育教学师资匮乏。

艺术教育师资队伍建设非专业化。我国普通高校的艺术教育的师资主要是由以下两类人才组成：专业艺术院校的毕业生和人文学科的教师。有的学校还聘请校外的一些艺术专家来兼职，但总的来说还是以自己校内的老师为主。由于缺乏艺术实践搞人文科学的老师从事艺术教育一般往往是开设公开选修课，讲理论的比较多，并且所有的理论性欣赏课基本上都只是教师在唱独角戏，缺乏互动和交流，没有学生预想的那样生动、丰富，使学生对艺术课程的兴趣逐渐消失。

三、开设公共艺术教育课程的重要性

艺术教育之所以重要，是因为艺术是一种特殊的精神生产形态，它能够陶冶人的情操，丰富人的精神生活。艺术教育，是把艺术作为教育内容向学生传授艺术知识、艺术技能、艺术精神等。而决不是单纯的传授和训练艺术技能，重点也不是增长知识、增强人的道德水准，它的真正目的是通过感知、欣赏、实践来培植和丰富人们心灵的一个过程。另外，艺术的基础是感知，艺术教育可以提高人的感知能力，而感知能力则是创造性思维的基础，艺术活动本身也就是知觉思维活动。由于艺术往往不存在一个绝对的答案，而这一点正是艺术追求的价值所在，因此，艺术教育能有助于年轻人去探索、理解、接受和运用模糊性与主观性的事物，充分挖掘他们的想象力和创造力。

为什么要一再的强调公共艺术教育的重要性，那是因为没有那个教育课程可以像艺术教育一样，既能提高大学生综合素质、促进大学生全面发展中，又可以增强大学生对科学文化知识的理解和记忆，促进智能开发。学习阶段是人一生中学习知识的重要阶段，而充分利用有限的时间，有效地学习，是学生共同关注的问题。艺术教育全方位的使学生精神升华、心灵美化，还能使学生的感知力、想象力、创造力得到提高，各种心理功能和思维能力得到充分发挥和协调发展。

我院在历经升本、更名及办学定位调整之后，学校更应该坚持崇尚“面向全体学生开展公共艺术教育”的理念。时代的发展和国际国内环境的变化，对人才培养提出了新要求，如果还固守那种滞后的大学艺术教育思想观念，必然会造成培养对象的‘思想残缺’和‘审美情趣淡薄’，造成学生‘高分低能、高分低质’，使大学生在日趋激烈的竞争中失去优势。国家对公共艺术教育提出了明确规定，强调了‘公共’和‘艺术’的两个属性，包括对学生的思维方式、创造能力、个性情感、专业学习等各方面产生积极影响。”

学习美术的基础是美术基础课，设计的艺术理念是否具有活力由美术基础决定。新媒体艺术在艺术设计中只是起辅助的作用，只是一个工具。数字艺术的发展是与先前的艺术流派相关的，不是处于艺术之外的，这是艺术创作的规则之一。首先，视觉造型艺术培训是依赖熟练的素描基础上的。任何否定素描价值和作用的概念都是错误的，不科学的观点是把传统素描和艺术素描完全对立。所以，基础素描教学的发展必须考虑各专业的特殊性，采取不同的侧重点。素描是美术基础课的主要内容。素描是一切造型能力的基础，

一、素描的基本知识

基础素描是一种素描形式，大约在文艺复兴时期形成，在上世纪初传入我国，在上个世纪80年代我国引入了设计素描教学，深入到中国各设计学院时已经是90年代了。素描是美术的一种独立类型，它是各类造型艺术的基础。素描包含了很多的功能、规则和原则，有清晰的设计规范和科学的造型理论，所以成为如国画、雕塑、版画等艺术样式的基础。素描是主观和客观的统一。素描是具有系统性的，它的客观基础是行，最高层次是能透视，主观基础是夸张。

素描有广义和狭义之分，狭义上的素描是指学习美术技巧、培养美术理解力的阶段。广义的素描是指所有纯色的绘画作品，美术是用来表现世界万物的美的，用铅笔、炭笔或其他笔画出的纯色画是很美的，素描是学习美术的基础，是学习过程中必须要有的训练。素描要从整体出发，画出物体的大致外形，画出明暗线，就会显得真实。素描的对象很广泛，可以是人，可以是物，也可以是石膏。素描一般是用于练习的，很少用来画成品画，但是也有画家会用素描创作作品，给人们视觉上的新鲜感。

二、设计素描和传统素描的区别

培养学生的逻辑思维，逐步提升学生的设计理念和表现手法，开拓学生的设计思维是设计素描的教学宗旨。利用学生的设计思维，加上基本训练设计训练，体现出科学和美学，技术和艺术，提高学生的审美和社会实践能力。传统素描教学的原则是培养学生的情感、想象力、观察力的方法。用基本训练和图片，锻炼学生的创作能力，把学生锻炼成有水平、有修养的艺术家。

有些老师认为设计素描传统素描是完全相反的。但是这是不科学的，包诺德豪斯研究所是世界上第一个现代设计教育学院，其中许多画家如康定斯基、凯利、那吉、塞尚、毕加索等都有很好的素描水平。达芬奇也是一个科学家，他具有很强的素描能力，素描就是他科学创造的灵感。素描主要是学习基本的技能和知识，无论对谁来说都是有益的。所以，传统素描与设计素描是相辅相成的关系，不是对立的。任何脱离传统的现代艺术都是不成立的，现代艺术有时还要回归传统。只有通过设计素描和传统素描的融合训练才能解决学生设计作品的中的基础差问题。

三、素描美术基础在艺术设计中的重要性

1、空间感

素描造型中的第一个问题和最后一个问题都是空间感，“形状”是第一位，造型的终结是“整体变形”。视觉变形会产生“视角”，规则的透视产生整体，完整的训练过程是整体视角。如果设计者不解决这个问题他的作品就会平面直板，不能有很深的运动感。有的设计专业的同学在素描方面存在误解，他们只是享受创作时的变形，很少能创作出有深度的作品。原因是，他们没有真正的理解透视、结构和在设计中的问题。作品普遍缺乏空间意识，周围的事物如果经过仔细观察就会发现他们都有着明显的差别，这些差异可能是因为文化意识和工业化能力不同。但有一个事实是毋庸置疑的，那就是只有有空间的素描才能创作出有空间感的作品。

艺术的产生和发展有一定的规则，谁都不能在规则外设计出符合规则的作品。设计艺术与普通艺术不同，它强调艺术绘画作品的即时性和直接性，描写自然的绘画能表现出作品的多样性。在国外，虽然没有很多现实的训练，但是国外的学校已经找到了规则和好的教学方法，完成了转化规则和应用的任务。但我国设计的学校因为知识不足，而不能解决这一问题。虽然我们也实现了教学的同时加入结构素描和现实主义素描实验课程，但收获甚微，所以，我国的教学应加强对原理和应用探索。

2、传统文化是书刻形体艺术的思想渊源

如果只是强调某一个方面，就造成了“失和”。设计的目的在于体现事物的真善美，进而上升为对人精神的升华，增加作品的文化附加值。书刻形体艺术，正是结合各种材质、形式和功能，艺术的再现“和”之魅力，将自然、科技、物质、精神等集合在多维的立体形体艺术中。人创造了文化，同时，文化影响着人类的发展与进步，一个国家或民族伴随历史传承下来的思想、道德、人伦、艺术、制度和观念等都是体现在文化之中的。设计也是文化的一个门类，因为根据传统文化的民族性、地域性、社会性和历史性决定了传统文化无时无刻不在影响着设计艺术的发展。很多艺术大师在进行设计的过程中无不在传统文化中汲取着文化精髓，寻找着灵感，以此激发现代艺术设计的创作。古希腊—罗马文化中的文化与艺术精神强调“人本主义”，主张艺术与技术统一，实践能力与理论素养并重，艺术设计的目的是为了丰富人的内心世界和灵魂，以及感化人。中国古典哲学中的老庄思想的“天人合一”、“以人为贵”也是对古希腊—罗马文化的唯美、求是和创新精神的体现。传统文化是物质文明和精神文明的双向发展的结果，它们使人类有了新的征服自然和表达情感的工具，任何传统文化都必然对艺术与科技的发展，产生深刻的影响，并且通过艺术与科技对现代设计艺术产生影响。儒家的审美标准体现在一个“和”字上，“和”体现着艺术的包容性、多样性，把“和”的观念体现在形体工艺之上，也体现出了形式与功能的和谐之上。

3、传统文化中的传承与创新的辩证关系

笔者认为那就是要用辩证的观点看问题，坚持继承—吸收—创新的思维模式。黑格尔的朴素的辩证的对立统一规律，说明了对待一个事物要看到它的积极方面，也要看到它的消极方面，辩证的进行传承、吸收与创新。中国传统文化讲究“形”、“神”、“意”，表达的是含蓄和内敛，体现出一种意蕴，传统是意;现代设计主张个性、时尚和潮流，表达的是张扬和个性，突显的是视觉冲击，现代是形。因此，对待我们中国的传统艺术要重在继承与弘扬民族精髓的内在精神，进行创新、深化和挖掘发展，使其传统元素变为现代设计的创意点和启示点。那么，如何实现书刻形体艺术的传统文化的传承与创新呢?要使中国的书刻形体艺术在现代设计中得以延伸和发展，就必须要在理解传统文化的基础上取其形、展其意和传其神。传统文化和现代文化这对矛盾体，通过书刻形体艺术对立统一成一体，实现完美的传承与创新，演绎辩证的对立统一规律。

一、优秀课题的效果

优秀的课题作业是设计教育不可或缺的部分，它有如金子般珍贵，即使在数年之后，学生仍然会讨论，教师仍然会借鉴。那些具有挑战性的课题能去粗取精、优中选优，它们既让人胆怯又诱人挑战，甚至让人彻夜难眠，却又欲罢不能。有的课题只是一次性的，有的则经年使用。课题的丰富多样是为了满足不同专业、不同学生、不同课程的需求。成功的课题一方面展现了教师的专业素养，另一方面则是对学生的莫大挑战，使学生在寻求理想方案的过程中获得更多的知识、技巧和智慧。有时候，一个别具特色的课题甚至能引发学生的风格或技巧的巨大变化。优秀的课题作业必须具备以下三个因素。首先，能让学生面对挑战。课题必须具有足够的变量和偶然性，能检验学生的技能和天分，而且到最后阶段能给教师和学生带来惊喜。其次，能让学生学到东西。课题必须提出问题让学生解决，因为学生在做新鲜的事情时能更好地学到新知识，能使学生的水平得到提高。最后，课题无论成功还是失败，都能让学生取得一定的进步。成功的意义毋庸置疑，而失败的意义也不可小视，因为从失败中学生往往能获得更深刻的认知，也只有从失败中才能汲取教训。有时，即使学生在课题作业中无法创作出有个性、有想法的作品，课题也能对其产生深远的影响。挑战、学习与提高是良好教育的基础，而要达到这个综合目标，需要具有无私奉献精神的教师，更需要积极好学的学生。所以，优秀的课题设计能够体现教育的真谛。从教师的角度来看，课题具有更深远的影响：风格独特、引人入胜的课题随着时间的流逝，仍能被学生津津乐道，在师生之间流传，成为教师名副其实的标签。正是因为课题实践的过程与结果可以带给学生独特、深刻的启迪与感悟，这些著名的课题才具备持久的生命力。许多由著名教师设计好的课题已经具备这样的声望，此类课题之所以出名，正是因为它们像重要的知识和经验一样，激发了师生双方的期待，完成这一特殊的作业甚至会改变学生的职业进程，使其向更好的方面发展。当然，并不是只有著名的课题才能实现这样的目标。事实上，有时候最普通的课题设计也能影响学生对设计的理解与欣赏，这些课题同样重要。

二、优秀课题的特征

良好的课题如同燃料，能够给创新的“发动机”增强动力。良好的课题是体验的开始，而非结束。课题必须超越某一班级的限制，引发更多的成果，必须为达到更高的教育水准服务。优秀课题的基本特征：其一，能激发学生的批判性思维。学生要完成课题，需要了解社会、政治、历史背景，从而学到处理问题的方法，还要学会以视觉手段创作、叙述引人入胜的故事。最重要的是，学生喜欢那些让自己成为解决设计难题能手的课题。一些好的课题要求设计具有创造性。其二，能引发教师的评价。教师的关键回应会对学生产生举足轻重的影响，影响他们如何看待课题，如何与课题共同进步。评价是课题实施过程中的重要环节。学生得益于教师的经验与知识，当学生努力达成目标时，其水平将获得提高。那些希望作品得到专业人士认可的学生尤为青睐一对一的评价。而且在课题后期，评价也有助于学生完善创意。其三，能促进个人成长。好的课题会促使学生张扬个性，发挥个人风格。极富创意的挑战既能激励学生思考，又有助于学生判定自己是什么样的设计人才。学生用设计作品影响人、打动人，课题则为学生将来的作品提供素材，能让学生明白设计对目标受众的影响，使学生意识到，要提供给目标受众的不仅是形式，还有内容。其四，好课题还能提供框架，让学生不偏离轨道，这才是关键所在。与此同时，它也鼓励学生磨砺各种技巧，以备将来之需。课题设计通常已有定论，但优秀的课题则要求有个性化的诠释。鼓励学生标新立异的课题确实弥足珍贵。判定一个课题是否富有成效，要看这个课题能否造就团队设计经验。理想地说，课题所提供给学生的设计经验应符合以下公式：技能或天分+概念敏锐度=增长的能力水平。绝妙的定制课题不仅包含以上要素，而且能给人以启发。如果精心策划，课题能激发互动，增强合作，使学生不仅从课题的要求或教师的指导中学到东西，还能相互学习。教师必须定下规范，并对结果进行点评。学生希望学到知识、智慧、经验，并最终获取理想的工作，教师希望学生能在设计方面更上一层楼，优秀的课题设计作业可以兼顾这两方面。

作者:练正平 单位:南京工业职业技术学院艺术设计学院

艺术教育在学生的素质教育当中是非常重要的一部分教育内容，国家颁布的教育改革纲要中明确地提出：美育对学生的审美能力、健康的审美观念、陶冶道德情操，以及使学生全面发展有着重要的作用。艺术教育的核心观念就是审美，不仅要给学生带来审美的享受，更要培养学生们的完美人性和审美情感。从一方面来看，我们需要以审美教育为途径，在教育工作的经验当中去解决问题，我们可以通过审美，从感性变为理性的人；另一方面来看，审美自由是人们的力量和谐和精神解放所反映的一种最高状态。艺术教育的实施，可以让学生们陶冶情操、启迪智慧、树立审美观、激发创新能力和创新意识，从而使学生全面地发展，避免受到不良文化信息的影响。

二、艺术教育在小学素质教育当中的作用

对于艺术教育的作用，我们可以从多个角度进行分析，为相关的艺术教育发展奠定基础。其具体内容如下：

第一是艺术学的相关理论。哲学家认为天才就是成为艺术家的相关创造才能。即使能在科学知识里进行传授，但是对于科学研究就需要自己去探索。

第二是教育学的相关理论。可以从调查研究中发现，艺术教育可以赋予青年人沟通能力、创造能力以及文明感，许多的例子都可以表明艺术教育能够激活学生们的创新能力。

根据理论，在素质教育中实施艺术教育，有利于提高学生的欣赏能力和获取艺术知识的能力，从而陶冶学生的情操，开拓他们的视野，启迪学生们美好的心灵，才能有助于学生们树立人生观、价值观和世界观；有利于学生在艺术的熏陶下，激发自己的创新潜能，培养自信心，提高学生的学习兴趣，从而使学生具有较强的思考问题，解决问题的能力。

三、当前艺术教育存在的突出问题

根据这些年小学艺术教育的现状，进行研究分析，得出艺术教育中最为突出的几个问题，如下：

1.在小学的素质教学中，艺术教育仍然是较为薄弱的部分，其最主要的原因是没有得到足够的重视。虽然国家和各级部门都在提倡学生全面发展，但?W校依然没有明确的规定，有些学校对艺术教育更是随意置之，更有甚者在艺术教育方面还是处于空白的状态。这主要是没有意识到艺术教育对学生人格、情感方面的重要性，缺乏整体的认识。

2.对艺术教育所投入的资源不够。大多数学校只是开展简单的美术、音乐、书法等课程，根本不能够满足学生们的需求，远远不能达到培养审美、提高能力、陶冶情操的目的。很大程度上降低了艺术教育水平，也不利于学生的全面发展。

3.艺术教学的管理制度不够完善。当前，我国小学尚且没有建立一个科学合理的艺术教育制度，其评价内容不完整，标准太过于单一，根本不能准确的对学生教育的成果进行评价。尽管素质教育工作开展了好些年，但是这些制度体系仍然需要进行完善，相关的监管部门也要做好本职工作，为学校建设一个优良的学习环境。

四、构建和完善小学艺术教育的体系

1.重视艺术教学带来的价值。小学的艺术教育工作不单是能够为学生培养审美情趣，还能够提高学生对社会的认知度，以及实践能力和沟通能力。首先，每个教育工作者都应具备艺术教育的观念，认识到艺术文化是人类众多文化中的重要部分；其次，把艺术教育在素质教学当中的地位进行提高，这就需要各级领导和教师的重视，才能够使艺术教育工作广泛地开展。

2.对艺术教育所需的资源投入进行加大。首先，学校要确保教育经费的投入，必须要把艺术教育的费用列入其中，而且要设立专项经费用于设施的添置、各项活动、各种奖励、场地和器材等。调研的力度也要加大，鼓励工作人员对难点、热点问题进行透彻的研究，以得出优秀的科研成果并用于艺术的教育当中。教师的素质更要得到提高，提高其专业水平，才能使其为学生进行更好的教育。

捷克教育家夸美纽斯认为：“教育者的艺术表现在使学生能够透彻地、迅速地、愉快地学习知识技能。”教学的技巧和艺术就要使学生渴望获得知识和不断追求真理，并带有强烈的情绪色彩去探索、认识客观世界，所以教学过程必须遵循这一真理，要精心设计教学程序，以启迪学生的心灵，点燃其思维的火花，来激发学生的情感、兴趣和意志，使学生的认识活动成为一种乐趣，成为精神上的需要。物理教学艺术的表现，首先在于能激发学生强烈的求知欲望。

1.设计物理情景，激发学生学习兴起。

即使是刚学物理的学生，头脑中对物理知识的了解总有些“前科学概念”其中包含了理解和误解。如在教“光的折射”现象时，介绍一个实验情景：实验装置是一个玻璃槽中装水，水中插上一个塑料泡沫片，在塑料泡沫片上粘贴一条用塑料纸剪成的鱼，让几个学生各用一根钢丝猛刺水中的鱼，由于学生总认为眼睛所看到的鱼的位置那么准确界定一样，在这样错误的前科学概念的影响下，自然出现在日常生活实践中对一些自然现象凭自己的经验或直觉形成错误的判断。教师把泡沫片从水中提起来，发现三根钢丝都落在鱼的上方，接着说：要知道这个道理，就得学习“光的折射”现象。这样的引入，将光学原理融入日常生活中来，可操作性，创设的简易实验把学生带人一个渔民叉鱼的情景中去，符合初中学生对新鲜事物好奇好动的特点，因而能很快地集中学生的注意力，这就为接下来用实验研究光的折射结论创造了良好的认知起点。只有通过教师精心设计物理情景，才能使教学内容变美、变活，深入到学生的心灵之中，实现物理教学的情感转移，学生将对物理学和物理教师的情感转化为学习的动力，这样才能产生出艺术的效果。

2.指导学生“实验探索”，体会学习的乐趣。

教科书中呈现的知识，通常是科学家们早已发现，已形成定论的知识，固然学生在学习时并不是去寻求人类尚未知晓的事物或联系，但它不会消极被动地接受教育者所灌输的一切，把自己充当接受知识的容器，而会以自己的认识基础、心理状态为依据，有选择地吸收外部输入的各种信息，教学艺术的“基调”就在于找准学生心理状态的“固有频率”，使教学信息收发达到同步，激起学生情感的“共鸣”。同时，物理知识的传授，它应是一个学生自己思考，亲自获得知识的探索过程，从这一意义上看，学习活动不仅是由认知和情感共同参与的过程，也是一个知识“再发现”或“重新发现”的过程。“实验探索”可以深化学习兴趣，这一过程，教师应处于主导地位，精心备课，设计好合理的教学程序，引导学生去探索知识，学生应处在探索知识的主体地位上，教师应让学生动眼、动手、动脑、动口积极主动、生动活泼地学习。要克服传统教学中教师讲的过多，统的过死的弊端，使学生完全置身于物理的环境中学习物理。

二、展示物理科学美

罗丹有一句名言：“生活中并不缺少美，而是缺少美的发现。问物理教学同样如此，但物理本身并不是美学，要想使物理教程从枯燥的铅字变成闪烁美的光彩的科学诗篇，关键在于我们教师平常教学中是否认真发掘物理科学美，是否去展示其美学特征，是否去创设美的意境，让学生潜移默化受到物理科学美的陶冶，这就是教学的艺术。

1.展示物理学美学特征。

物理学的研究对象大到天体，小到共振粒子，从实体到另一形态的场、光等都是物质的。物质又是运动的，如机械运动、分子热运动、光波传播，实际上是不同形态的物质的不同运动形式，它们的运动是有规律的，自然界是合理的，简单的、有序的，因此，科学家们在探索真理的过程中，往往以科学美作为追求的目标，通过他们的努力而形成的物理理论，在内容上、形式上是那么自然、简单、和谐，都放射出美的光辉。教师平时教学中应向学生展示物理知识的美的一面，激发学生爱美天性。

2.培养学生的审美能力在教学艺术活动中，教师的教学能否产生艺术效果，有赖于教材、教师的精心备课和表演水平，还要看学生是否具有一定的艺术情趣，而影响学生艺术情趣其中一条因素就是审美能力，所以教师在展示科学美的同时，要着重培养学生对科学美的审美能力。物理科学美的体验不关是视觉或听觉的，更多的是靠学生的心智去体验，由学生的体验产生的美的感受而产生的愉悦程度与学生的审美能力有关。所以，教师平常教学中，要引导学生积极主动地去探索自然界的奥秘，使他们在探索中领会许多事物的本质与联系，感受到知难而进，解疑释惑，获得新知识的愉快，从而培养学生的审美能力。

三、促进学生发展

当前，世界面临着激烈的经济竞争和人才竞争，我们的教育目标应立足于培养学生适应科学技术的发展和未来的生存能力。物理教学必须根据物理学科的特点为完成教育培养目标作出贡献，应致力于促进学生的全面发展，培养学生不断获取新知识的能力和创造力。在教学过程中应如何促进学生的发展？这体现着教师的艺术水平。

美术公共课在中职教育阶段是一门培养学生艺术涵养和正确审美观的基础学科，对于激发学生的创造力和正确认识世界都有着不可替代的作用。

即使如此，一些地方教育行政领导和中职学校领导在思想上并没有真正明确美术教育在素质教育中的地位和作用。事实证明，中职开设美术公共课具有十分重要的意义。

一、美术课可以促进其他专业科目的学习，从而培养真正具有创新理念的人才。

在注重技能人才培养的职业学校，专业课固然是重要的，但是机械地传授并不能集中学生的注意力，激发学生的学习热情。尤其是倡导创新的今天，学生要想有一个不同寻常的思维，就必须在感官上和思想上加以外部刺激，而美术课就是以感知和培养发散性思维为目的的课程，这在一定程度上为各专业学科提供了创新的思考依据。

前苏联曾经在许多科技方面领先美国，出于战略目的，当时美国总统下令调查、反省美国的教育机制，几千名教育家经过一年多的调查研究，发现其中之一是美国与前苏联的美术教育存在差别。前苏联从小学到大学都开设美术课，而美国只有小学到初中开设美术课。可见美术教育不但能培养学生的审美情趣，而且对学生的观察力、想象力、创造力的培养和发展具有重要作用。

作为正在向工业化大国转型的我国，缺乏的并不是忠实的廉价劳动力，而是富有创造性思维的技术工人，在目前我国经济增长与创新项目严重失衡的情况下，美术课作为中职教育的一门必修课已经势在必行。

二、美术课可以塑造学生的完美人格，提高学生的审美水平。

美术课的内容涵盖了很多文化，比如在美术欣赏课上，学生可以了解中国灿烂的五千年历史和文化的变迁，认识西方美术的发展历程，感悟到质朴的青铜器造型、具有时代特征的文人画、风格迥异的东西方建筑风格。这些人类史上积累的宝贵财富涵盖了社会、人文、意识形态等方面。学生通过学习使固有的认知水平获得较快提升，并且能在认知过程中逐渐形成正确的审美方法和能力。

通过教师的正确引导，学生学会用艺术的眼光去品味“美”。比如在讲到维纳斯雕像时，播放相关鉴赏视频，使学生真正理解艺术家的创作目的。对于人体画，中职学生由于缺少之前普遍不被重视的美术欣赏教育，尚不能用正确的审美方式去对待，认知水平仅停留在感知事物的表象，这就需要教师引导学生树立正确的欣赏观，使其学会用艺术的眼光体会男子的阳刚美和女子的阴柔美，懂得用正确的审美方式去理解美术作品的内涵，从而陶冶学生的情操。

在美术技能课中，教师通过主观性作业训练还可以使得学生张扬自己的个性，培养不同的美术特质，而美术基础性技能习作课也可以向学生提供技术性活动的基本方法，有助于培养学生勇于实践和善于实践的心理品质。比如美术手工制作剪贴画课堂上，教师可以巧妙地营造一个任务工作环境，然后以命题的形式让学生利用手中的工具和材料在一定时间内创造一个画面，这样不仅可以激发学生的学习兴趣，还能给学生的个性表达提供一个展示的平台，从而使学生在学习过程中树立自信，并把这种自信的品质带到未来的工作中。

三、美术教育也是素质教育的重要组成部分。

较之于理论教育、科学教育，公共艺术教育同样也具有不可替代性。因为公共艺术教育可以帮助学生更全面地继承前人取得的优秀成果。素质教育的基础是成人教育，是成为人的教育，而不是成年人的教育。成人教育原应在婴儿教育、幼儿教育和义务教育阶段完成，但中国的现状是：部分已经走上社会的经过高中教育、职业教育和高等教育的毕业生仍缺少人的基本素质，已影响到中华民族的素质。因此，必须立即加强婴儿教育、幼儿教育和义务教育阶段的成人教育，对现阶段高中教育、职业教育和高等教育的学生必须补充成人教育。

美术，作为素质教育的一个重要组成部分，不仅在职业教育阶段，而且在义务教育阶段都被我们身边的教育者约定俗成地理解为“副科”。美术教育对于提高中职学生的综合素质虽然不能形成短期效应，但是从长远发展来看，对于学生对世界的认知和对未来的发展都有着深远的影响。作为教育者，我们不能因小失大，而应该更加科学地去研究美术课在职业教育中的地位和作用，从而尽早地确立美术课的应有地位。值得欣慰的是目前上级教育主管部门已经意识到中职美术课在中职课程设置中的重要性，从对学生未来面向社会的影响因素来看，美术课的作用已超过其他的一些文化课程，江苏省在中职课程改革中则探索出一条科学的新思路，目前已经把音乐、美术等素质教育课作为必修课程。

美术课在中职教育中的作用已经越来越被重视，尤其是在当前的职业教育中，充分而合理地开设美术课及选择怎样的公共美术类教材将成为整个中职素质教育体系的一大关键问题，比如：现有的美术类课程中的书法课，在有些职业学校已经长期开设，并且对于学生将来成功走向社会发挥推动作用。

综上所述，中职学校美术教学对学生大有益处，不仅仅表现在提高学生的创造力、审美能力、认知能力上，还表现在提高中职学生的综合素质等方面。中职学校教育与其他类教育有一个共同点，那就是必须以学生为核心，一切为了学生。美术课则在满足了这一基本条件以外，更好地为学生面对未来发展和造就一个文明和谐的社会提供条件。教师在教导学生美术方面也不再是单一地绘画，而是深入美术的内部，去体会它，感悟它，再在其中提高个人的素质。这是普及中职学校美术教育的重要意义，也是中职学校教学的真正目的所在。

参考文献：

[1][美]罗恩菲德.创造与心智的成长[M].长沙：湖南美术出版社，1993.

在教学中，教师的普通话要标准流利，在课堂上要避免方言。在今年的市优质课上，有一位男老师，他的普通话中带有一些方言的腔调，刚一上课听课的老师和学生就感觉不舒服，甚至有的学生根本听不明白老师讲什么、问什么，教师呢？满腔的激情得不到学生们积极的回应，心里也一阵发慌，心越急越容易出错，慢慢地老师上课的热情一点点地减弱了，学生的情绪没有被调动起来，这样一节课下来整个课堂就会死气沉沉，没有生气。

第二，教师的语言要饱含情感，富有激情，声情并茂。

激情的语言具有说服力、感召力、鼓舞力，它如兴奋剂，能激发学生激情，净化学生心灵，提高学生参与的积极性，达到教学的共鸣。激情的语言还要有节奏感和韵味，它如开胃剂，能调动学生学习兴趣，产生学习欲望，自主去探索知识的广度和深度。英国教育家柏西？布克强调“一名教师，首要的紧迫任务就是去创造一种吸引力”，艺术化的课堂要求教师上课不仅能生动形象地反映事物的鲜明个性，能吸引学生的注意力，而且要激发他们的兴趣情绪，启发学生打开形象思维的“阀门”，唯有语言才能保证教学信息在转输的过程中发挥最佳的效能，所以课堂教学要求教师有极高艺术性的教学语言素质，特别是讲授新课时，要求教学语言既准确明晰、简洁练达，又通俗易懂、生动活泼，仿佛教师是善辩的演说家一样，讲起来既抑扬顿挫给人语言艺术美的享受，同时又有其雄辩的说话技巧。在课堂示范中，教师要象表演艺术家一样，以手势、表情等无声的语言“指挥”学生学习，用无声的语言对有声的语言进行恰如其分的“补充”、“配合”、“修饰”，使教师的表情达意更好的完成新课标要求下的新课程教授任务。例如：在欣赏德彪西的乐曲《月光》时，让学生随着乐曲展开联想，教师轻声启发：“夜静悄悄的，皎洁的月光洒满大地，天上的星星一眨一眨，一位美丽的仙女，手抱玉兔出现在我的面前，她拉起我的手和我一起向遥远的夜空飞去．．．．．．”，同学们在乐曲中展开想象的翅膀，个个身临其境，优美的旋律把同学带到轻柔飘渺的梦境中去了，同时学生也体会到了音乐的意境和美妙。其实有节奏感和韵味的语言有如朗朗上口的诗歌，短小精桿的名句，有条不紊、有张有弛、有断有续、有缓有急、有强有—教师教言弱、抑扬顿挫、挥洒自如，让学生在愉快向上的心境中获得知识，教师也一定很有成就感。

色彩表现课程是工艺美术设计中的核心课程，学生学习工艺美术时，最基本的就是要获得通过色彩传达审美倾向和信息的能力。它主要是通过学习和训练让学生掌握色彩组合的基本规律，进而提高学生的表达能力和创作水平。色彩表现在学生的学习和今后的职业发展中都具有重要的作用，学好这门课程，是非常重要的。

一、色彩在设计中的应用

色彩是设计中的重要表现手法，也是设计能够很好地表现的重要条件之一。在设计中，色彩对于塑造人物、描绘场景都有画龙点睛的作用。色彩运用得好，可以让作品的艺术表达力更强，给人以更强烈深刻的印象，也能够更加真实地反映生活。

（一）色彩的搭配在设计中的表现

很多时候，色彩的搭配能够在一个作品中起到决定性的作用，合理的搭配会让人感动、心旷神怡，而不合理的搭配，会让人产生厌恶的情绪。比如，现在很多城市地铁中都喜欢展现工人的艺术形象，主要传达的意思大多是关于工人的任劳任怨、不辞辛苦等高尚品格和坚毅精神。在处理这样的肖像时，如果色彩表现得很脏、很灰暗，就会破坏了本来已经描绘好了的神形。在一个表现哥特风格的工艺品上，如果我们采用明快、新鲜的色彩，就会丧失哥特艺术本身的神秘性和悬疑性，整个工艺品的艺术氛围就被破坏了。很多教师在教学中都很重视素描，仿佛将线条描绘好就可以完成整个设计作品的创作，可是，色彩上的一点错误，就会造成整个作品明显的不协调，这是在工艺美术设计中很常见的现象。

（二）色彩与作品中其他部分的搭配

作为绘画的一部分，色彩是其中非常重要的一个因素，但是它也不是唯一的，在设计中，如果其他部分未能处理好，那么最终呈现的作品也依然是失败的。我们要重视色彩，更要重视色彩与作品中其他因素的搭配。以素描来说，素描主要负责勾勒作品中形象和场景的线条、造型，搭建作品的整体框架。作为设计者来说，很多时候素描传达感情的作用是高于色彩的。因此，我们要意识到色彩在设计中的正确地位，色彩要依附于形，通过已经塑造的形，来表现作者的情感，而所有的表达最终都服务于作品的主题，只有合理地掌握色彩运用，才能在作品中做到形神兼备。

二、正确认识色彩

未进行专业学习的学生常常会认为，色彩的鲜艳和亮丽是色彩搭配的最重要意义，可是，随着我们学习的不断深入，可以发现，色彩的选择需要视作品的具体状况而定，一味追求某一种色彩的使用，是不能够创作出好的作品的。

（一）感受色彩的规律

色彩的运用是有规律的。在设计专业中，常常会有老师告诫学生：“色彩凭感觉”。这并不是说色彩可以随意地搭配，而是说在长年累月的学习和设计中，我们是可以用自己的视觉感受学习到色彩搭配的规律的。自然界的色彩主要凭我们的眼睛直接去感受，可是设计不能单凭感觉。感觉只能解决现象问题，而理解才能解决本质问题。除了生理上的色盲以外，任何人都能够感受色彩，问题是如何把握它的变化规律。最基本的色彩具有冷暖变化的规律和强弱变化的规律。还以上面的作品举例：我们在设计一个哥特风格的工艺品时，整体的色调是阴暗的，色彩亮度是很弱的，这样的色彩才能让人感受到阴森、神秘不可知的气氛。而当我们在处理食物的相关设计时，就需要多运用暖色调来表现，因为我们知道，当人看到冷色调的物品时，是不会产生食欲的。

（二）颜料的基本组合

我们知道，自然界中有很多色彩，在我们的颜料中是无法直接制作的，同一种颜色有不同的色号和品阶，这就需要我们懂得颜料的基本组合，颜料的组合就是具体解决我们在设计时的基本调色问题。我们知道，颜料中的基本颜色有红黄蓝三种，又叫第一色，一般在设计中，它们的准确叫法是“曙红”“柠黄”和“湖蓝”。通过原色之间的一定比例的混合，可以调配出不同的色彩，为了提高我们的设计效率，我们应该充分利用手中现有的颜料，节省调色时间。在调色中，如果两个原色在混合时的分量不同，有可能会产生不同的颜色。这样，我们就可以通过调色来配比不同的明暗、深浅、强弱等的变化。熟练地掌握色彩的调配，也可以让学生在设计中更好地进行表达。综上所述，我们知道色彩在平时设计中的运用是十分重要的，所以，在教学中，要培养学生扎实的色彩基础，对于色彩要有明暗的分辨能力，在设计中，根据不同的轻快和表达意图的不同，来进行不同颜色与线条、主题的搭配。通过正确的色彩选择和色彩搭配，我们才能创作出形神兼备的作品。

我国颁布的数学课程标准提出：“让学生初步学会从数学角度提出问题、理解问题，并能综合运用所学知识和技能解决问题，发展应用意识。”

一、创新多种教学方法，让学生感触问题意识

创新过程不仅仅是纯粹的智力过程，需要以创新情感为动力，还要有对真理执著追求的勇气。数学课堂中，教师可以营造和谐民主的课堂气氛，给学生自由发言的机会。传统数学教学中，教师大多采取的是“满堂灌”方式，教师讲，学生听，牵着学生走，没有留给学生积极思维的空间。我觉得应该将培养学生的问题意识引入课堂，教师要更新观念，明确提问不只是教师的权利，应该使问题意识成为学生的必备技能。教师设计教学内容、教学环节时，要以儿童兴趣为出发点，有意营造质疑氛围，使学生因趣生疑、因疑生奇、因奇生智。创设问题情境的方法多种多样，可以用旧知不能解决新问题，挑起矛盾，让学生产生疑问；可以让学生在动手操作实践中发现问题；也可以通过设计开放性数学问题，让学生展开想象；还可以在知识的对比、归纳、概括中让学生面对问题。教师可以根据实际情况因材施教，让学生自我感触问题意识。

二、注重引导，传授方法，培养学生问题意识

学生由于素质不同，能力有限，不能够提出有价值的问题。在这种情况下，教师应注意使学生明确在哪儿找出问题，教导学生学会提出问题。教师要教会学生质疑在新旧知识的衔接处、学习过程的困惑处、法则规律的结论处、教学内容的重难点处，概念的形成过程中、算理的推导过程中、解题思路的分析过程中、动手操作的实践中等，还要让学生学会变换视角，既可以在正面问，又可以从反面或侧面问。即无处不可生疑，无时不可生疑。如可让学生这样想：“概念”为什么这样表述？能否增加或删改一些字词？在概念内涵的挖掘、外延的拓展上质疑。教学时鼓励学生对任何一个问题都探索，或提出与众不同的看法，甚至提出其他学生或老师一时想不到的问题，这是学会质疑的关键。有时学生问题的涉及面广，显得“多而杂”。这时老师要组织学生讨论，哪些问题问得好，哪些问题不着边际，不是教材的内容和重点，引导学生逐步由“多而杂”变为“少而精”。只要引导得法，学生就能有所发现，逐渐学会质疑。学生敢于提问了，但提出的问题往往是对知识结构表面上的粗浅的认识结果，有时是与教师教学意图相悖的甚至对知识的错误理解。

三、树立正确的指导思想，正确释疑，确保学生获得相应的知识

对于有些疑难问题，由于小学生受到知识与能力的限制，暂时还不可能甚至完全没有能力排除的。质疑是手段，释疑才是目的。如果对学生的质疑置之不理，将压抑学生的积极性。释疑方法不妥，将影响质疑问难。面对学生的质疑，教师不要急于回答，更不能轻易否定。遇疑不慌、处疑不惊，不受课堂时间的限制，因疑引疑，设新疑释质疑，会收到比完成几道巩固作业更美妙的教学效果。比如，教学多位数减法时，有学生提出减法能不能从高位减起的问题，面对学生提出质疑的问题，教师首先让大家猜一猜“从高位减起”是不是可行的，当学生的意见不一，产生矛盾冲突时，教师为学生提供三道计算题作为新的探索材料。接着教师耐心地等待大家的研究和探讨。组织交流时，教师启发学生充分发表意见，其过程循循善诱、步步到位。使学生经历了认知过程，体现了“最有价值的知识是关于方法的知识”。这样的结果既使学生认识到这段学习的收获和意义，又没有给质疑的同学留下一丝一毫的伤害痕迹。学生的提问是从模仿开始的，如果教师善于提问水平高的问题，学生就会以教师为榜样，提出的问题质量也较高。

艺术不仅是好的，而且是必须的。著名教育哲学家哈里布劳迪(harry broudy)提出了如下问题并对此做了极具说服力的评述，那就是:“在普通教育中艺术的作用是什么?”他指出:如果艺术对均衡教育是必不可少的组成部分，那么，把艺术纳入到中小学教育的成规课程就不应该是问题。如果艺术只是学校“紧张”功课之余提供给儿童的一种“有趣的”或“好玩的”东西，那么，布劳迪说，艺术在学校的课程中就不会有他的位置。艺术和美是天生的，人的本质上对艺术和美有一种好奇和感动。从人类行为学的角度观察，儿童早期对艺术便产生某一种认知。艺术是美好的，它伴随着人类的生存与发展，用它永恒的魅力——艺术之情对人的心灵产生直接的、深远的碰撞，使人心理健康、心灵纯洁、行为高雅。

加德纳认为，艺术教育所培养的包括语文(话剧中的表达能力、视觉艺术作品集的推介展示)、数理逻辑(室内设计、建筑艺术所需的数理)、音乐能力、空间感(如环境设计，构图)、机械动感(如舞蹈)、人际关系(话剧或音乐会的合作、交流)、自我反省(因艺术无标准答案，要求创新与完美便须不断反省改进)、自然触觉(如质感、配色、调和)等。他认为全面的教育应该是开发每个人身上的这些智能，最大限度地发挥人的潜能。而艺术学科提供了开发这些智能的基础，是发展这些智能的重要学科。它的作用表现在如下几点:

1.艺术教育能够健全学生的人格

人格是构成一个人思想情感以及行为的特有模式，这个独特模式包含了一个人区别于他人的稳定而统一的心理品质。艺术教育能培养审美能力，色彩、旋律、线条等满足心灵愉悦的符号揭示事物之间的各种内在联系，使人对事物产生积极接近、热衷探索的态度。古今中外，施行艺术教育的目的都在于发挥艺术的这种功用，使人不知不觉地从小就培养起对美的爱好，并且培养起融美于心灵的习惯，进而养成自由而高尚的情操。

2.艺术教育有助于提高学生的审美能力

生活中的美无处不在，缺少美的生活单调乏味。但人的审美能力不是天生的，而是后天从小培养起来的。学生在日常生活中受到的美育是有限的，有计划的引导儿童参加艺术实践活动，可以更有效地促进儿童对美的感受力、理解力的发展，因为在艺术教育中，教师在引导儿童欣赏的美是更集中，更典型的美，即艺术的美。儿童在美术活动中将自己在日常生活中美的印象和感受通过各种艺术手段具体表现出来的，这不仅加深了他们对日常生活感受到的美的理解，而且发展了对美的表现力。儿童在不断变化的艺术实践活动中，不断地追求美、探求美、理解美和表现美，因而，受到良好的美育。

当艺术课程被人们重视的时候，它似乎又变成了一种形式。成人价值像一双无形的手在指引着社儿童艺术学习的目的和方向。在这种价值的作用下，传统的科学与艺术教育中，存在着许多问题:第一，科学教育与艺术教育的地位不平等，艺术教育的价值被忽略;第二，切断科学教育和艺术教育的关联性，各行其内容和目标;第三，将科学和艺术教育视为知识的灌输和技能的训练，忽略了其对心灵的作用。首先，艺术教育的目标不仅仅只是知识灌输，它关注的是人性的本质。 爱因斯坦深有体会:“我相信直觉和灵感。想像力比知识更重要，因为知识是有限的，而想像力则概括了世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。”其次，科学教育和艺术教育是密切关联的。“对于相当多的社会大众而言，科学知识是一种自己不熟悉的和未能同化的异己力量，科学经验则是一种专业性的间接经验。于是，在表象建构和经验模式之偏倾式塑造和概象建构与认知模式之单向性塑造的基础上，不少大众(尤其是情知意素质能力正处于敏感可塑造状态和跳跃性发展之关键阶段的青少年学生)，便形成了以间接经验和抽象概念为主的思维结构，缺少必需的亲身体验和感性积累，缺乏情感对间接经验和知识元素的活化和融合，于是导致以逻辑推理为主的单级式思想模式。”情感同知识的分离，导致儿童创造性思维的弱化。最后，艺术教育的目的也不仅仅是技术的训练和知识的吸收。在这种成人价值影响下，艺术教育的不平等性、孤立性、机械性严重影响了儿童思维的发散性、开放性。艺术教育是科学教育的基础，科学教育反过来又影响着艺术教育。艺术教育和科学教育相辅相成的作用才能促进儿童的全面发展。艺术教育与科学教育的融合对儿童发展的意义概括为以下几点:

1.有助于拓展儿童的感受力

传统教学中，灌输知识和技能成为了主要教育目标。儿童在这种封闭式的灌输体制下，感受力逐进退化和模糊。长此以往，他们的思维变的狭隘，内在把握世界的能力则进一步退化。艺术教育和科学融合的教育则能拓展儿童的感受力，开发他们的大脑潜能。他们在这种融合模式下，儿童不仅被要求发现事物的外在特征，同时唤起对事物的直观感受。

儿童情感发展的源泉来自于丰富的想像力，艺术渗透的教育能使儿童获得丰富的情感体验。冰冷的客观知识难以调动起儿童积极的情感反应。我们会发现不少科学家诸如:牛顿、爱因斯坦等人对艺术表现出浓厚的热情。艺术是科学研究的助推器，艺术的美好激发了他们的想像力、创造性，产生了对生活，对自然的热情。正是这种艺术与科学的高度融合造就了伟人的诞生。

2. 有助于学生智慧潜能的开发

感性认识是人们对外部世界直接的感官感受，对事物的产生直接的、表面的认识。理性认识是在感性认识的基础上，经过思考、推理来认识事物的本质。感性和理性的平衡依赖与艺术教育和科学教育的融合，使得他们在认识世界的过程中把握事物的客观规律。我们可以从这个简单的几何三角形来看到一些问题。三角形特定的形状和结构储存在于大脑记忆系统，我们凭借感官经验很难发现图形的不合理性。视觉经验欺骗了我们的客观认知，对事物产生错误的判断。只有通过大脑理性的分析、判断来获得事物的真理性。感性能力与理性能力在这里发生了交融和碰撞，在这里启迪着智慧的迸发。正因为如此，艺术教育和科学教育结合是相当重要的，因为它培养的是人的智慧发展不可缺少的感性能力。

只有高度重视艺术教育的重要作用，使其在普及中提高，在实践中创新，才能使我们学生的潜能不断得到开发，个性特长得到充分发挥，综合素质得到有力提升，为促进人的身心全面和谐发展，培养完美人格打下坚实基础。艺术教育在中小学教育中的地位与作用是显而易见的。艺术教育是科学教育的基础，是通往真理之路的纽带。只有肯定艺术教育的作用，才能全方位地提高学生艺术素质及其他品质。因此，艺术教育是中小学素质教育中不可或缺的部分。

参考文献